Cuarteto Mosaïques & María Hinojosa con Stabat Mater – Primer concierto del FEMAS

Notas al programa

Haydn no inventó el cuarteto de cuerdas, pero puede ser considerado sin complejos el definidor de sus reglas formales y expresivas, que llevarían el género, a través de Mozart, Beethoven y sus sucesores, hasta el siglo XX. Tras los primeros ensayos cuartetísticos del compositor a finales de la década de 1750 y principios de la siguiente, Haydn se desentendió del género para dedicarse a la sinfonía y al trío con baryton, exigencia esta última de su patrón, el príncipe Nikolaus Esterhazy, un entusiasta de este exótico instrumento. A principios de la década de 1770, Haydn volvió, por razones desconocidas, a cultivar el género del cuarteto, y lo hizo con fuerza, pues en apenas tres años compuso al menos 18 obras nuevas, agrupadas en tres series de seis con los números de Op. 9, 17 y 20.

Estas obras son mucho más ambiciosas que las primerizas de diez años atrás, más extensas y con un caudal emocional mucho más intenso. Haydn empieza a despegarse del tipo de cuarteto de cuerdas concertante, mucho más brillante, que se cultivará en París. Su diseño, de un equilibrio entre las cuatro voces cada vez más estrecho y refinado, y su división en cuatro tiempos (rápido-lento-minueto-rápido, aunque a veces los dos movimientos intermedios intercambian su posición) se convertirán en las definitorias del cuarteto clásico vienés por excelencia. El Cuarteto Op.17 nº4 es el único de Haydn que está en do menor (una tonalidad tan beethoveniana) y es sin duda el más interesante de los seis de la Op.17.

El tono nostálgico y elegíaco del Moderato de apertura, escrito sobre un único tema, se disipa al final, cuando en los últimos compases, Haydn utiliza el modo mayor para un delicado cierre en pianissimo. Esta modulación final anuncia al minueto, que ocupa aquí el segundo lugar y está justamente en do mayor. Es una página de una notable fuerza rítmica, muy contrastada con el trío, que vuelve a la tonalidad principal de la obra y está cruzado por líneas cromáticas y ritmos sincopados. El Adagio cantabile (también en mayor, esta vez, mi bemol) parece hacerse eco de la tradición del concierto clásico, mientras que el Allegro final resulta de un vigor indesmayable, que Haydn hace compatible con una extraordinaria elaboración contrapuntística. El unísono de los cuatro instrumentos en los últimos compases anticipa el estilo sinfónico de colecciones haydnianas de cámara más tardías.

Contemporáneo estricto de Haydn, Boccherini cultivó con profusión la música de cámara. También escribió muchos cuartetos, pero su especialidad fue la del quinteto, especialmente los escritos para dos violonchelos, de los que dejó más de un centenar. De ellos algunos fueron publicados también con un contrabajo en sustitución del segundo violonchelo. Es el caso de los tres de la Op.39, que datan de 1787, con Boccherini restableciéndose aún de la gran crisis de dos años antes, cuando la muerte le arrebató en unos pocos meses a su esposa y a su patrón, el infante don Luis de Borbón. El nº1, fechado en enero de 1787, está escrito en la tonalidad de si bemol mayor y tiene un carácter primordialmente tierno. Su partitura, llena de indicaciones de dolcissimo, se estructura en dos grandes secciones. La primera la ocupa un apacible y distendido Andante lento al que sigue un agitado Allegro vivo escrito en la tonalidad principal y que está contrastado en el centro por un minueto y un tiempo Grave compuestos en el relativo sol menor, que tienen ese toque de nostalgia tan habitual de la producción del compositor. El Allegro vivo vuelve al final para alejar toda sombra de melancolía. La segunda sección, compuesta entera en la tonalidad principal, tiene una disposición tripartita, con un rondeau jovial que alberga en su interior un minueto en forma binaria que contrasta por su aspereza.

La música vocal de Boccherini es escasa: una misa (perdida), dos oratorios con texto de Metastasio, algunos salmos de vísperas, una zarzuela, tres cantatas, algunas arias y dúos sueltos y, seguramente la más difundida de todas, el Stabat Mater que cierra el programa de esta noche. Escrito originalmente en 1781 para soprano y quinteto de cuerdas (dos violines, viola, violonchelo y contrabajo), Boccherini lo arreglaría en el año 1800 añadiendo otras dos voces (alto y tenor) y convirtiendo el quinteto original en una orquesta de cuerda. Esta versión, que incluía también una amplia obertura instrumental extraída de una de sus sinfonías, sería anotada en su catálogo como Op.61. El impulso inicial para la composición de la obra debió de salir del propio don Luis, que lo requeriría para la liturgia de su corte en Las Arenas, donde vivía exiliado desde 1776 por su matrimonio morganático con María Teresa Vallabriga y Rozas.

Sin duda, Boccherini compuso su obra bajo el influjo del Stabat Mater de Pergolesi, la obra más veces publicada (y más imitada) de todo el siglo XVIII. Como Pergolesi, Boccherini compone la obra en la tonalidad principal de fa menor y, como él, consigue un ambiente de especial morbidez mediante la mezcla de los recursos camerísticos y operísticos, hasta lograr una expresión piadosa y patética sin renunciar a la sensualidad de las líneas melódicas de clara raigambre italiana. No sólo eso. En el “Quando corpus” emplea Boccherini un bajo que recuerda inmediatamente al célebre arranque de la obra de su colega.

La atmósfera melancólica tan cercana al espíritu del compositor se instala desde el preludio de la primera estrofa, escrita en fa menor, exactamente igual que la segunda (“Cuius animam”) y la última (un hondo y solemne “Quando corpus”), si bien Boccherini prefiere terminar la obra con un breve Amen que modula a un más luminoso fa mayor. En la palabra final, Boccherini renuncia a la tan habitual fuga, que en su obra se desplaza al “Fac me plagis”, un número escrito en un oscuro do menor como el “Quis est homo”, que tiene forma de recitativo, o el mucho más sinuoso e incisivo “Quae moerebat”. “Pro peccatis” está en la bemol mayor, “Eja mater” y el muy operístico y tripartito “Tuti nati” en mi bemol mayor, “Virgo virginum” en si bemol mayor y “Fac ut portem” en fa mayor. La escritura para la voz es de notable simplicidad y apreciable lirismo, y sus juegos de pregunta y respuesta con el primer violín son fácilmente identificables a lo largo de toda la obra. Esa misma conjunción se da entre el segundo violín y la viola. El violonchelo dobla a veces la voz del bajo, pero el compositor privilegia también a menudo al que fue su instrumento otorgándole pasajes solistas relevantes, como en el “Eja mater”, un Larghetto de extraordinaria fuerza emotiva y detalles melismáticos de transparente teatralidad.

© Pablo J. Vayón

Programa

Viernes 2 de marzo a las 20:30hs | Espacio Turina

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Vídeo: Festiwal Goldbergowski 2016 08 26 – Quatuor Mosaïques

Textos

Stabat Mater (Luigi Boccherini)

Sobre María Hinojosa

María Hinojosa Montenegro se ha consolidado como uno de los talentos líricos más destacados de los últimos años a juzgar por la intensa actividad en los principales festivales y salas de Europa y América interpretando destacados roles del repertorio barroco, clásico y contemporáneo.

Inició sus estudios de canto en su Sabadell natal con Mª Teresa Boix y se licenció en canto y Lied en la Escuela Superior de Música de Catalunya con la máxima calificación, recibiendo un Premio de Honor por su proyecto fin de carrera. En 2007 destaca su actuación en El dúo de La Africana, dirigida por Xavier Albertí, en la temporada del Teatre Lliure de Barcelona, por la cual es nominada al premio de Mejor Actriz Musical y resulta ganadora del de la crítica en los Premios Butaca del mismo año. Asimismo en 2011 también ve reconocido su trabajo en La Carta Blanca a Lluïsa Cunillé, siendo de nuevo nominada a los Premios Butaca en la categoría de Mejor Actriz Musical.

Ha cantado en muchos de los más prestigiosos teatros y salas de concierto del mundo como Musikverein y Theater an der Wien, Arena de Verona, Teatro Colón de Buenos Aires, Ópera de Philadelphia, Teatre del Liceu, Auditori y Palau de la Música de Barcelona; Palau de la Música y Palau de les Arts de Valencia; Teatro Real y Auditorio Nacional de Madrid, Festival de Granada, Salle Gaveau de París y en las Óperas de Lausanne, Montpellier, Vichy y Frankfurt. Colabora con importantes grupos de música antigua y orquestas dirigidos, entre otros, por Pablo Heras Casado, Gabriel Garrido, Giovanni Antonini, Enrico Onofri, Ottavio Dantone, Stefano Montanari, Rinaldo Alessandrini, Fabio Biondi, Erich Höbarth, Sir Neville Marriner, Ivor Bolton, Josep Pons, Francesc Prat, Eduardo López Banzo, Kenneth Weiss y Martin Gester. En escena ha trabajado junto a Xavier Albertí, La Fura dels Baus, Els Comediants, Francisco Negrín, Robert Carsen, Kasper Holten, Lluís Pasqual, Lluïsa Cunillé, Rita Cosentino, Luís de Tavira, Juliette Deschamps y Alfred Kirchner.

De su actividad discográfica cabe destacar Gli amori d’Apollo e di Dafne de Cavalli dirigida por Gabriel Garrido; Peter Phillips, un inglés en la Flandes española con Cappella Mediterranea; Juditha Triumphans de Vivaldi dirigida por Ottavio Dantone y las zarzuelas barrocas La fontana del placer de J. Castel, Clementina de L. Boccherini y L’isola disabitata de G. Bonno dirigidas por Pablo Heras Casado (los tres para Harmonia Mundi); el DVD de la ópera La Salustia de Pergolesi para ArtHausMusik; tres CDs con la Orquesta Barroca de Sevilla bajo la dirección de Enrico Onofri y Vanni Moretto, así como numerosas grabaciones para RNE, BBC Radio, Radio France y ORF. Además ha registrado obras de compositores catalanes contemporáneos como Primary Colours de Agustí Charles, Anna Crusa de Eduard Resina y RMSonce y The Game of Life de Francesc Martí.

Entre sus compromisos recientes sobresalen el Stabat Mater de Boccherini con el Concentus Musicus Wien en el Musikverein de Viena y con el Quatuor Mosaïques en el Palacio de Eszterháza, el rol de Dorella en Das Liebesverbot de Wagner en Teatro Real de Madrid y en el Colón de Buenos Aires, dos giras por Francia junto a Les Musiciens du Louvre dirigidos por Francesco Corti, el rol de Margarita Xirgu en Ainadamar en el Festival de Cesis (Letonia), el estreno absoluto del Réquiem a Morente de Enric Palomar junto a la OBC en l’Auditori de Barcelona, así como grabaciones junto a Cappella Mediterranea y la Orquesta Barroca de Sevilla dirigida por Enrico Onofri. Entre los próximos el rol de Kitty Hart en Dead Man Walking de Jake Heggie en el Teatro Real de Madrid y el Barbican de Londres, de nuevo el Stabat Mater de Boccherini con el Quatuor Mosaïques en Sevilla (FeMÀS), el papel protagonista en el estreno absoluto de la zarzuela Policías y ladrones de Tomás Marco en el Teatro de la Zarzuela, conciertos con Cappella Mediterranea en Francia y el estreno absoluto de la nueva ópera de Raquel García Tomás en el Teatro Español de Madrid y en el Teatre Lliure de Barcelona.

Sobre el Cuarteto Mosaïques

El Quatuor Mosaïques es el más destacado cuarteto que toca con instrumentos originales a día de hoy. La agrupación ha recibido elogios por su atípica decisión de usar instrumentos con cuerdas de tripa que, combinada con su reconocida destreza, les permite cultivar una sonoridad única. El cuarteto ha realizado múltiples giras, recibido numerosos premios y acumulado una discografía notable. Formado en 1985, está compuesto por los austriacos Erich Höbarth (violín), Andrea Bischof (violín), Anita Mitterer (viola) y el violonchelista francés Christophe Coin; se ha presentado en Europa, los EEUU, Australia y Japón, ofreciendo conciertos regularmente en Viena, el Wigmore Hall de Londres, el Concertgebouw de Ámsterdam y la Philharmonie de Berlín. El Quatuor Mosaïques toca asimismo con frecuencia en festivales europeos tan prestigiosos como los de Edimburgo, Salzburgo, Lucerna, Bremen, Bath, Styriarte de Graz, Schubertiade Schwarzenberg y Oslo, entre tantos otros. Colabora asiduamente con muchos artistas de talla internacional como los pianistas Sir András Schiff y Patrick Cohen, los clarinetistas Wolfgang Meyer y Sabine Meyer y los violonchelistas Miklós Perényi y Raphael Pidoux. En 2006 el Quatuor Mosaïques fue invitado a tocar en España ante el Rey Juan Carlos I la colección de los Stradivarius Reales de la Corona Española.

El Quatuor Mosaïques tiene una discografía extensísima que incluye obras de Haydn, Mozart, Arriaga, Boccherini, Jadin, Beethoven, Schubert y Mendelssohn, así como de compositores modernos. De su disco de Schubert publicado en 2010 Der Tod und das Mädchen, The London Times dijo: “Su interpretación de La muerte y la doncella es música del más alto nivel, sentida y ejecutada por músicos guiados como por una única mente e impulso, a la vez que cada uno de ellos parece responder con originalidad en cada momento”. Sus grabaciones del repertorio clásico vienés (cuartetos de cuerda de Haydn Op. 20, 33 y 77 y los cuartetos de Mozart dedicados a Haydn) han recibido numerosos premios como el Diapason d’or, Choc du Monde de la Musique y un Gramophone Award.

Estos cuatro músicos se encontraron cuando tocaban con el Concentus Musicus Wien de Nikolaus Harnoncourt en los años 80 y decidieron trabajar con instrumentos originales en un cuarteto clásico que desarrollaron como actividad paralela de divertimento. Aunque el grupo trabaje con instrumentos de época, se adhiere a la tradición europea del cuarteto, permitiendo una evolución constante de su repertorio que se empeña en revelar los cimientos psicológicos de la música.

A lo largo de la temporada 2017-18 el Quatuor Mosaïques celebra su trigésimo aniversario con actuaciones en el Ciclo Haydn del Wigmore Hall, en el ciclo de cuartetos del Real Concertgebouw de Ámsterdam y residencias en la Konzerthaus de Viena y en el Lammermuir Festival, amén de una larga gira por los EEUU y Canadá. Coincidiendo con su aniversario el cuarteto ha publicado en Naïve Records un disco que reúne la integral de los cuartetos de cuerda de la última etapa de Beethoven, al que seguirá otro registro con cuartetos de la etapa intermedia del compositor de Bonn.

Sobre David Sinclair

El contrabajista canadiense David Sinclair comenzó el estudio de su instrumento en Toronto con Nanci-Carole Davis. Más tarde trabajó junto a Joel Quarrington, graduándose en la Universidad de Boston bajo la dirección de Lawrence Wolfe y Edwin Barker. Como receptor del Kahn Award de dicha universidad y con el apoyo del Canada Council y del Chalmers Fund pasó los dos siguientes años en Viena estudiando interpretación solista con Ludwig Streicher. Su primer nombramiento llegó en 1987 como primer contrabajo de la Camerata Salzburgo bajo la dirección de Sándor Végh. Establecido en París desde 1992, David Sinclair desempeña una exitosa carrera freelance interpretando repertorio orquestal, camerístico y solista con un amplio abanico de agrupaciones que tocan tanto instrumentos originales como modernos.

Como solista es muy conocido por su trabajo orientado al redescubrimiento del bajo vienés. Sus grabaciones The Virtuoso Double-bass, Wiener Kontrabasskonzerte y el aria de concierto de Mozart Per questa bella mano fueron las primeras grabaciones solistas para contrabajo realizadas en un instrumento histórico. En 2011 recibió el Special Recognition Award que concede la International Society of Bassists (ISB) por sus contribuciones en este campo de estudio.

Sinclair es profesor en la Schola Cantorum Basiliensis y en la Hochschule der Künste Bern. Toca un contrabajo vienés del siglo XVIII de Johann Christoph Leidolff (Viena) y un contrabajo italiano del XIX de Enrico Marchetti (Turín).

Programa de mano

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