Grandes conciertos en el 66º Festival Internacional de Santander

“Rajery es sin duda el virtuoso más brillante e innovador de valiha, de la generación más joven de Madagascar”. Rajery es un hombre único y un músico excepcional. A pesar de su discapacidad (una mano derecha amputada) logró reforzar su determinación de convertirse en uno de los virtuosos de valiha y ha forjado un estilo único, desnudo, refinado y poético.

Hombre de retos, Rajery no se contenta con ser un músico excepcional, sino que también es un hombre comprometido. Proporciona su experiencia y trabajo como musicoterapeuta. Profesor de valiha desde 1989, fundó su propia escuela en 1994 y un taller de fabricación de valiha, con la ayuda de la Unesco y Handicap International, como parte de una campaña para abolir el trabajo infantil y sacar de los niños de la calle a quienes la vida ha robado sus mejores años.

Ballaké Sissoko maestro de la kora, improvisador y compositor apasionado y de gran talento, Ballaké Sissoko es hoy en día uno de los grandes músicos del mundo. Su instrumento, la kora, este arpa-laúd con 21 cuerdas originales de Mandingo, es un legado familiar. Ballaké es hijo de Djelimady Sissoko, gran maestro de la kora, nativo de Gambia, miembro fundador y director del Ensemble instrumental national du Mali y co-autor en 1971 del primer álbum instrumental de kora titulado Cordes anciennes et le petit fils de Cherifou Sissoko, también como instrumentista de kora.

Cuando formaba parte del Ensemble instrumental national du Mali a la edad de 13 años, perfeccionó su kora tocando junto a los grandes maestros Sidiki Diabaté (padre de Toumani) N’Fa Diabaté y Batrou Sékou Kouyaté. En 1991, a la edad de 23 años, dejó el Ensemble instrumental national du Mali para acompañar a Kandia Kouyaté, una de las más emblemáticas cantante-griot maliense. Ofreciendo una interpretación innovadora del kora, Ballaké se convierte rápidamente el instrumentista solicitado por la primera generación de grandes griot como Amy Koita o Tata Bambo Kouyaté. Graba en 1997 su primer álbum titulado Kora music from Mali y en 1998 un segundo álbum homónimo.

El virtuoso percusionista Zé Luis Nascimento nació en Salvador de Bahía, Brasil. Su carrera en el escenario mundial incluye actuaciones en solitario, y la participación en la dirección musical del Balé Folclórico da Bahia, donde se había formado, primero como bailarín, y rápidamente, dado su talento e inclinación, como músico.

Al llegar a Francia en 1996, Ze Luis descubrió nuevos tipos de percusiones orientales y occidentales. Fue entonces cuando ofreció al mundo una voz diferente, muy personal, desarrollando un vocabulario rítmico profundamente original. Nasicmento crea una coherencia impresionante recurriendo a la mezcla de una gran cantidad de instrumentos muy diferentes que realizan un discurso musical de gran consistencia

Tanto en el escenario como en las grabaciones, Nascimento ha colaborado y sigue colaborando con los mejores artistas, como Michel Legrand, Césaria Evora, Georges Moustaki, Jean-Luc Ponty, Al Di Meola, Ayo, Tania Maria, Vladimir Cosma, Lokua Kanza, Souad Massi, Grace & the Spiritual Riders, Titi Robin, Gulabi Sapera, Faiz Ali Faiz, Mayra Andrade, Sixun, Paco Sery, Marcio Faraco, Oumou Sangare, Jun Miyaké, Jaques Morelenbaum, Tété, o Céline Rudolph entre otros. Ha participado y puede ser escuchado en las grabaciones de más de cien álbumes internacionales.

El universo musical de Ze Luis Nascimento está impregnado de poder, inspiración y elegancia. Su credo es “servir a la música”.

El Imperio Mandinga fue fundado en el siglo XIII por el emperador Sunjata. Hizo un barrido de todo el Africa occidental, de un extreme a otro, desde Casamance en la costa atlántica hasta Burkina Faso, a miles de kilómetros al este. Sunjata utilizó un arma, hasta el momento desconocida, para unir a todos sus pueblos dispares: la música. La música se convirtió en una formidable herramienta política y convirtió a los músicos Mandinga o djelis (griots) en una poderosa casta. Hoy, habiendo sobrevivido siglos de cambios y agitación, esa casta sigue floreciendo. Basándose en temas tan antiguos como el propio Imperio y las melodías aprendidas en la infancia, los griots modernos todavía median para el orden social. Esto explica cómo un artista como Kassé Mady Diabaté puede elevarse a tal grado de excelencia y convertirse en un tesoro nacional en Malí.

Kassé Mady Diabaté nació en 1949 en el pueblo de Kéla. Su tía era la gran griot Siramori Diabaté, mientras que su abuelo era conocido como “Jeli Fama”, que significa “El Gran Griot”, gracias a la calidad emocionante de su voz. Cuando Kassé Mady tenía 7 años (una edad significativa en la cultura Mandinga), los ancianos de la familia, incluyendo a Siramori, se dieron cuenta de que había heredado el genio vocal de su abuelo. Lo educaron y lo animaron, hasta que fue capaz de comenzar su propia carrera. Así, siguió desempeñando un papel en los momentos más innovadores de la música maliense durante las siguientes cinco décadas, primero en su propio país y luego con importantes colaboraciones internacionales

En 1970 se convirtió en cantante de la Orquesta Regional Super Mande de Kangaba. El extraordinario canto de Kassé Mady le valió al grupo el concurso nacional de música Bienal en la capital maliense, Bamako. El festival había sido creado por el gobierno, como parte de una iniciativa de autenticidad cultural en todos los nuevos estados independientes de África Occidental, animando a los músicos a volver a su patrimonio cultural. Fue en la Bienal que Kassé Mady llamó la atención de Las Maravillas de Mali, un grupo de músicos que habían estudiado música en Cuba y regresado a Malí para interpretar los clásicos cubanos. El Gobierno estaba presionando al grupo para que incorporara un repertorio más malí, por lo que invitaron a Kassé Mady a unirse a ellos como cantante principal. Con su joven vocalista a la cabeza, el Maravillas, más tarde conocido como Badema Nacional du Mali, logró un gran éxito en toda África Occidental, con canciones cantadas en un estilo cubano, pero con un nuevo toque Mandinga.

En 1988 Kassé Mady dejó Malí y la Badema Nacional y se trasladó a París, donde grabó su primer álbum en solitario para el productor discográfico senegalés Ibrahima Sylla. Pasó los siguientes diez años en París, grabando Fode, y luego Kéla Tradition, un álbum acústico de canciones jeli de Kela. Volvió a Malí a finales de la década de 1990, y realizó varias colaboraciones, muchas de las cuales se han convertido en grabaciones emblemáticas: Songhai 2, el álbum que hizo con el grupo flamenco Ketama y Toumani Diabaté, y Koulandjan, en la que colaboró ​​con Taj Mahal y Toumani Diabaté, un álbum que fue célebremente citado por Barack Obama como uno de sus álbumes favoritos de todos los tiempos. Ambos álbumes fueron producidos por Joe Boyd y lanzados en su sello Hannibal. Continuó realizando colaboraciones con Toumani Diabaté y protagonizó los proyectos Symmetric Orchestra y Afrocubism de Toumani, ambos grabados por World Circuit.

De entre sus proyectos solistas de la última década podemos destacar el álbum acústico Kassi Kassé, producido en 2002 por Lucy Duran, y Manden Djeli Kan, editado por Universal France en 2009 y obteniendo críticas de 4 y 5 estrellas: “la estrella es siempre el vocalista brillante” dijo el critic de The Times, mientras que la reseña de 5 estrellas en el Financial Times dijo simplemente “El tiempo se detiene“.

Driss El Maloumi es considerado uno de los intérpretes de Oud más virtuosos de su generación, tanto en su país, Marruecos, como en el resto del mundo. Su cultura musical y literaria le permiten interpretar diferentes estilos musicales, gracias a un gran dominio instrumental. Ha conseguido asimilar el estilo de interpretación de los laúdes tribal, bereber, oriental y occidental, superando los clichés tanto étnico como académico.

Sus interpretaciones invadidas por una intensa nostálgia e inspiración, se llenan de ornamentos sin narcisismo escénico. Lejos de exhibirse, interpreta el laud con elegancia y sinceridad.

Sus trabajos se dividen entre las investigaciones en grupo viajando muy cerca de diferentes colores musicales contemporáneos o descendientes del patrimonio y alimentándose del encuentro con artistas internacionales como Jordi Savall y su grupo Hesperion XXI (España), Pierre Hamon (Francia), Keyvan Chemirani (Iran), Françoise Atlan (Francia), Omar Bachir (Irak), Carlo Rizzo (Italia) y Alla (Algeria) en música antigua, tradicional o clásica, y Paolo Fresu (Italia), Claude Tchamitchian (Armenia), Alban Darche (Francia) y Xavi Maureta (España) en jazz. Ha escrito y participado en la composición de músicas para numerosos espectáculos.

Ulises Martínez Vázquez, nació en la ciudad de México en 1983 en el seno de una familia de músicos tradicionales provenientes de la comunidad de Chaparan Michoacán.

Desde los nueve años integró junto con su familia el grupo de música tradicional Los Purhépechas de Charapan, preservando y difundiendo la música que les fue heredada.

En el 1994, comenzó a estudiar profesionalmente violín en el Conservatorio Nacional con el maestro Espín Yépez, y en 1997 con el maestro Boris Klepov.

Ha presentado conciertos en las salas más importantes de México y en diversos países de América, Europa y Asia, con proyectos de música tradicional mexicana, flamenco, música barroca y fusión, tales como Yolotecuani, Son de Madera, Georgina Meneses, Compañía de flamenco “El Duende”, Tembembe Ensamble Continuo y Chéjere; Lucia Pulido (Colombia), María Juncal, Miguel Cañas, Cristóbal Reyes, Compañía Adonais, Paco Mora, y Jordi Savall, todos ellos de España.

Como violinista y arreglista ha participado en más de una docena de discos compactos, para sellos discográficos en México y España. También a sido invitado a musicalizar obras de teatro, entre las que se cuenta: El vergonzoso de palacio con la compañía de teatro del INBA, y NY versus Zapotito, bajo la dirección de la maestra Hila Valencia.

Ha impartido cursos de música y danza tradicionales en diversas instituciones en México y Colombia. Fue becario del FONCA en 2005 y 2009.

Leopoldo Novoa es compositor, intérprete colombiano-mexicano, nacido en Bogotá. Realizó estudios en el Conservatorio Nacional y la Universidad Pedagógica de Colombia, y posteriormente en la UNAM en México, en el IRCAM de París y en el LIEM del Centro Reina Sofía de Madrid.

Es investigador de música tradicional en Colombia y México. Como intérprete ha presentado numerosos conciertos en salas de América , Asia, África y Europa. Ha participado en grabaciones para los sellos Urtex de México, Armonia Mundi de Europa y Sony Rec. Es luthier especializado en la construcción de la Marímbula Caribeña Americana.

Es autor de obras de música de cámara para diversos ensambles de México, Japón y Colombia; así como de la ópera La muerte y el hablador. Su obra musical para teatro y danza ha recibido diversas distinciones. Ha sido maestro en la UNAM y el Centro Morelense de las Artes entre otras.

David Sagastume nacido en Vitoria-Gasteiz en 1972, cursó estudios de violonchelo en el Conservatorio Superior de Música Jesús Guridi de la capital alavesa con los profesores Gabriel Negoescu y François Monciero, obteniendo el premio extraordinario en el examen final de esta especialidad; paralelamente realiza estudios de clave, viola de gamba, música de cámara y composición. Asimismo ha recibido consejo de profesores del prestigio de Sigfried Palm, Laurentiu Sbarcea y José Luis Estellés.

Paralelamente, empiezó a trabajar como contratenor con la profesora Isabel Álvarez; estudios que continuó con R. Levitt y Carlos Mena. Actúa de forma habitual con la Capella Reial de Catalunya, bajo la dirección de Jordi Savall, participando en diversas producciones como Vespro de la Beata Virgine de Claudio Monteverdi o la Misa en Si menor de J.S. Bach. Ha actuado en diversos festivales como el Festival Internacional de Flandes, el de Fontebreau, Quincena Musical de San Sebastián, Semana de Música Religiosa de Cuenca, Styriarte de Graz o Berkeley Festival. Ha participado en la producción realizada por Herbert Wernicke, de la ópera “Giulio Cesare” de Haendel, dirigida por Andreas Spering en La Maestranza de Sevilla.

Ha cantado como solista con grupos como Los Ministriles de Marsias, Orquesta Barroca de Salamanca, Orquesta Barroca de Sevilla, Orquesta Ciudad de Granada,  Orquesta Filarmónica de Málaga, the Orchestra of the Age of Enlightement y Le Concert Francais, Café Zimmermann y De Nederlandse Bachvereniging bajo la dirección de Gustav Leonhardt. También actúa con Speculum, Les Sacqueboutiers de Toulouse y con el Ensemble Gilles Binchois, interpretando, entre otros programas, la Misa de Notre-Dame, de Guillaume de Machaut.

Ha realizado multitud de grabaciones tanto en grupo como de solista entre las que cabe destacar: la Missa Sine Nomine de Johannes de Antxieta, In Festo Corporis Christi de Juan Bautista Comes, la Agenda Defunctorum de Juan Vasquez, la misa Puer natus est de F. Guerrero, Ensaladas de Mateo Flecha, el CD “Serpiente venenosa”, con la Orquesta Barroca de Sevilla y otras, además de otras varias realizadas para diferentes radios europeas (Radio France, R2).

Es miembro fundador del grupo Intonationes especializado fundamentalmente en la interpretación del repertorio polifónico hispano de los siglos XVI y XVII

Marco Scavazza, estrechamente ligado al estudio musical desde bien joven, completó sus estudios en el Conservatorio Estatal de Música “Francesco Venezze” de Rovigo, diplomándose en trompa francesa, canto lírico y asistiendo al Curso de Afinación y Reparación de instrumentos de tecla.

Sucesivamente, ha continuado profundizando en sus estudios musicales consiguiendo, con la máxima puntuación, el Diploma de Música Vocal de Cámara bajo la dirección de Mº Erik Battaglia.

Enseguida centra su interés musical y profesional hacia la interpretación de la Música Vocal Antigua.

Colabora, de manera frecuente, con directores de gran fama conocidos por su práctica del repertorio renacentista y barroco, entre otros Jordi Savall, Andrew Lawrence-King, Kees Boeke, Sigisvald y Bartold Kuijken, Claudio Abbado,  Rinaldo Alessandrini, Diego Fasolis, Fabio Biondi.

Ha cantado en los festivales más importantes tanto en Italia como en el extranjero entre los cuales se encuentran el Festival di Musica Antica del Teatro Olimpico di Vicenza, Festival Barocco di Viterbo, Musica e poesia en San Maurizio, Festival Monteverdiano di Cremona, Festival dei Saraceni di Mondovì, Festival de Córdoba, Música de los Siglos de Oro de Madrid, Festival de Musique Anciennede Ribeauville, Festival de Utrecht, Boston Early Music Festival, Connections musicians & poets en Chicago, Auditorio de la Música de la Ciudad de México D.F., Festival Cité de la Musique en la Salle Pleyel de Paris, en Cracovia por el Festival Misteria Paschalia, Recontres de Musique Médiévale du Thoronet, Festival transfrontalier Alsace/Palatinat Voix et Route Romane, Festival de Toulouse, Festival Baroque de Pontoise, Festival de Ambronay, Festival van Vlaanderen en Amberes.

Puede jactarse de una vasta producción discográfica entre la cual se citan los siguientes títulos: Orfeo de Monteverdi, Vespri per l’Assunzione di Maria Vergine de Vivaldi (ambos para Naïve); Il Vespro Della Beata Vergine de C.Monteverdi (Challenge Classics(

Con Cantica Symphonia ha obtenido cinco Diapason d’Or consecutivos entre los años 2005 y 2010.

Es uno de los socios fundadores de la Asociación musical Consortium Carissimi, asociación que se centra en la trascripción, incisión y divulgación de la producción musical de la Scuola Romana.

Víctor Sordo, nace en Badajoz, donde estudia piano con Guadalupe Rey. Posteriormente se traslada a Sevilla para estudiar dirección coral con Ricardo Rodríguez. Perfecciona sus estudios corales y vocales con Peter Phillips, Owen Rees, Fernando Eldoro, Graham O’Reilly, Marcel Peres, Tamara Brooks, Xavi Díaz, Javier Busto, Marco Berrini, Marco Simoncini, Giuseppe Malozzi, Albert Alcaraz, Julio Domínguez, etc En 2006 Inicia su formación vocal con María Coronada-Herrera en Badajoz, especializándose más tarde en canto histórico con Jan Van Elsacker, Isabel Álvarez, Miguel Bernal, Kevin Smith, Jordi Ricart, Lambert Climent y Bart Vandewege.

Como solista ha interpretado Sailor (Dido & Aeneas/Purcell), Tamino (Die Zauberflöte/Mozart), Don Ottavio (Don Giovanni/Mozart) y Postiglione (La fanciulla del west/Puccini), Mesías de Haendel, Pasión según San Juan de Bach (Evangelista), Requiem de Mozart, Las 7 palabras de Haydn, Stabat Mater de D. Scarlatti, Misa en SolM de Schubert y Le reniement de Saint Pierre de Charpentier (Jesús) junto a Forma Antiqva, Orquesta de Extremadura, Orquesta barroca joven de Andalucía, Real orquesta sinfónica de Sevilla, Orquesta de la ESART, Orquesta Tempo giusto o Ensemble música Sacra de Sevila, bajo las batutas de Kenneth Weiss, Pedro Halffter, Michael Thomas, Ricardo Solans, Francisco Rodilla, Josep Cabré, Amaya Añúa, Francisco Cintado y Martí SanMartí.

En el campo de la música contemporánea, colabora como solista con Zahir Ensemble, dirigido por Juan García.

En la actualidad colabora con prestigiosas agrupaciones como Collegium Vocale Gent, Capella Reial de Catalunya, La Colombina, Arsys Bourgogne, Capilla Real de Madrid o Ghislieri Consort, trabajando con directores y formaciones como Phillipe Herreweghe, Jordi Savall, Frans Brüggen, Lluis Vilamajó, Enrico Onofri, Giulio Prandi, Pierre Caó, Aarón Zapico, La Caravaggia, Les Talens Liriques, Akademie für alte musik, Forma Antiqva, Hesperion XXI, Le concert des nations, Les Sacqueboutiers de Toulouse, Orquesta Barroca de Sevilla o Ministriles Hispalensis. Ha pertenecido a Novalux Ensemble, agrupación estable profesional dedicada a la interpretación de la música anterior al XVIII y dirigida por Josep Cabré.

Regularmente canta en importantes salas europeas como Auditorio nacional (Madrid), Teatro de la Maestranza (Sevilla), Palau de la música (Barcelona), Palais des Beaux Arts (Bruselas), Théâtre des champs Elysées y Cite de la musique (París), Philharmonie de Luxemburgo, Auditorio de Lyon, Kölner Philarmonie (Colonia), Alte Oper (Frankfurt), Filarmonisch Huis, Koningin Elisabethzaal y De Singel (Ambéres), Center Rosengarten (Mannheim), Philarmonie (Essen), Eurogress (Achen), Muziekcentrum Frits Philips (Eindhoven), Teatro Verdi (Florencia), Teatro dei Rozzi (Siena) y en festivales como Quincena musical de San Sebastián, FEMÁS, Festival internacional de Santander, Festival de música antigua de Barcelona, Ciclo El camino en Castilla y León -Fundación Siglo-, Festival internacional del Camino de Santiago, Musikaste, Festival de música antigua de Mallorca, Festival de música antigua de Úbeda y Baeza, Festival de música española de Cádiz, Festival de Basse-Navarre, Festival de música antigua de Paderborn, Ciclo Masculin/Féminin de París, etc.

Ha grabado numerosos Cd y actuaciones en directo para TV1, Canal sur TV, Rn2, Catalunya Radio, France musique, SONY-Deustsche Harmonia Mundi, Deutsche Grammophone, Alia Vox, Glossa, Pentatone, OBS-Prometeo y ACCP entre otras.

Daniele Carnovich, nacido en Padua (Italia), realizó los estudios musicales en el conservatorio de su ciudad, obteniendo el diploma de flauta travesera y se dedicó posteriormente al estudio de la composición y el canto, materia en la que se especializa en el repertorio barroco.

Su actividad conciertística comienza el año 1981, participando en los festivales más famosos de música antigua, tanto en Italia como en Europa, y más tarde también en Canadá, EEUU, México, Australia, Nueva Zelanda, Israel, Japón, Brasil, Colombia y Argentina, en colaboración – como solista – con los grupos vocales y instrumentales mas famosos (The Consort of  Musicke, Il Giardino Armonico, Ensemble Chiaroscuro, I Sonatori della Gioiosa Marca, Elyma Ensemble, Concerto Palatino, La Colombina, Ensemble Daedalus), bajo la dirección de importantes directores como Frans Brüggen, Philip Herrewegge, Rinaldo Alessandrini, Paul Angerer, Nigel Rogers, Andew Parrot, Alan Curtis, René Clemencic, Diego Fasolis.

En el año 1986, comienza la colaboración con Jordi Savall y Hespèrion XX (hoy “Hespèrion XXI”). Un año más tarde se funda “La Capella Reial de Catalunya”, grupo en el que desde más de veinte años es el bajo titular.

Como componente del grupo “I Madrigalisti della RTSI” en 1989 Daniele Carnovich empieza a colaborar con la radio de la Suiza Italiana, efectuando numerosos conciertos y grabaciones radiofónicas y televisivas.

Desde 1991 es miembro titular de “Concerto Italiano” antes, de “La Venexiana” después, y actualmente de “La Compagnia del Madrigale”, la agrupación madrigalística italiana más importante, con la cual – aunque bajo diferentes nombres –  todos los discos grabados hasta ahora han obtenido premios internacionales muy importantes.

Considerado un verdadero especialista del repertorio madrigalístico, en mayo de 1993 debuta en la Opera al “Gran Teatre del LICEU de Barcelona” col papel de Caronte en Orfeo de Monteverdi, opera que también ha grabado para la BBC en Londres, y en DVD para Opus Arte BBC con el papel de Plutone en 2002.

En 1999 se traslada definitivamente a España, donde vive actualmente, y donde desde algunos años participa de manera estable en los proyectos de “Intonationes” y de “Cantoria Hispanica”, dos jóvenes agrupaciones especializadas en la polifonía de la peninsula iberica.

Además de las grabaciones radiofónicas para la RTB-BRT, RAI, Radio France Musique, R.T.S.I., BBC, etc, Daniele Carnovich ha participado en más de cien grabaciones discográficas para Decca Record Company, Accent, Astrée, Glossa, Opus 111, Tactus, Stradivarius, Victoire Music, Arcana, Argo, K617, Fontalis, Alia Vox, Naxos, ecc.; entre estas grabaciones cabe destacar la integral de los madrigales de Monteverdi, y seis diferentes versiones del Vespro de Monteverdi. 

Iván García, nacido en Caracas-Venezuela, desarrolla su actividad bajo la colaboración de los más destacados directores musicales y teatrales de la actualidad por toda Europa y Latinoamérica; entre los que se destacan Jordi Savall, Christian Zaccarias, Christopher Rousset, Edmon Colomer, Manuel Galduf, Paolo Arrivabeni, Gustavo Tambacio, Lindsay Kemp, Calixto Bieito, Carles Santos, Luis Olmos, Carme Portacelli, entre otros.

Desde su debut europeo en el Glasgow Festival (1996) ha participado en los más prestigiosos teatros, festivales y recitales: Teatro Colón de Buenos Aires, Opera de Tel Aviv-Israel, Opera de Lyon, Comedie de Montpellier, Gran Teatro Liceu de Barcelona, Teatro dei Rinnovati de Siena, Metropolitano de Medellín; Liceo de Salamanca, Teatro Arriaga de Bilbao.Berliner Philharmonie 2010, entre otros.

Ha grabado con K617, TACTUS, ALIA VOX, DURADISC y BBC, la crítica internacional y galardones evidencian su polifacético carácter artístico y el repertorio que incluye desde el oratorio, la ópera barroca, clásica, romántica y la música contemporánea y popular.

Iván García es Premio Casa del Artista Nacional en Venezuela 1999 y LIFT’99 Londres, respectivamente como actor por la obra Concierto Barroco de Alejo Carpentier y Premio de la Crítica Musical Opera de Tel-Aviv 2007.

Colabora con la Capella Reial de Catalunya desde el año 2001.

Maria Juliana Linhares es una cantante y profesora de canto. Actualmente trabaja como profesora sustituta del Departamento de Educação Musical de la Universidade Federal de Paraíba – Brasil, la misma institución en que recibió un título de maestría en el área de la etnomusicología (2013/2014). Tiene experiencia en la canción popular, con un trabajo original titulado “Pétalas Vocais”. Su primer premio en la música popular brasileña fue en el Festival MPB/SESC 2006, ganando el premio de artista revelación, en la ciudad de João Pessoa. Desde entonces, además de su carrera solista, ha participado en varios grupos de actuación acerca de la música popular brasileña, la música latina y la música flamenca. Festivales y fiestas populares en los quales ya participó en Brasil: Quintas Musicais, Semana Música em Performance, Festival de Música Paraibana, Estação Nordeste, Folia de Rua, Projeto Seis e Meia, São João da Gente, Caminhos do Frio, Glória Vasconcelos, MPB/SESC 2006 y 2008, Dona Bossa, Músicas do mundo, Festa das Neves, Poesia Encenada do SESC/PB y Circuito das Praças Ha sido profesora de canto de representaciones teatrales especialmente junto al Grupo de Teatro Lavoura y Grupo Graxa de Teatro.

Como cantante lírica, ha trabajado con orquestas y grupos de cámara de Brasil, especialmente con grupos de música antigua. Ganó mención de honor como solista revelación en el 13° Festival e Mostra Maranhense de Canto Lírico (Maracanto). Con la Orquesta Sinfónica Juvenil de Paraiba hizo el concierto “Invocação em Defesa da Pátria” (2005) de Heitor Villa-Lobos y “Fantasia Coral de Beethoven” (2006). Fue solista del Coral Universitário da Paraíba (2005-2008). Con la Orquesta de Cámara de la Ciudad de João Pessoa, hizo los conciertos “Cânticos da Natividade” (2007) y “Festival Mozart” (2008). Hizo una presentación solista con la Orquestra Sinfônica da Paraíba en el Festival Nacional de Arte (2008). Participó del Grupo Camena (2010). Fue solista en los espectáculos de música contemporánea “Cantata Bruta” (2011) y “Eu-Augusto” (2012). Siempre es invitada como solista por los grupos: Orquestra de Violões da Paraíba, Camerata Arte-Mulher e Banda Sinfônica 5 de agosto. Actualmente los grupos en que ha participado son el Grupo Iamaká de Música Renascentista e Contemporânea, Grupo Mosayco de Música Flamenca, y el Grupo Iakekan de Música dos Povos da América Latina.

Lluís Vilamajó, nacido en Barcelona, inició sus estudios musicales en la Escolanía de Montserrat, que continuó en el Conservatorio Municipal Superior de Música de Barcelona. Ha estudiado canto con Margarita Sabartés y Carmen Martínez.

Actualmente es miembro de La Capella Reial de Catalunya, Hespérion XXI, (dir. Jordi Savall) y colabora con formaciones como Al Ayre Español, Le Saqueboutiers de Toulouse, Ensemble La Fenice, Ensemble Brroque de Limoges, Il Fondamento, Orquesta Barroca de Venecia, Orquesta Barroca de Sevilla con las cuales ha ofrecido conciertos y ha efectuado grabaciones en diferentes auditorios de Europa, así como también en Estados Unidos, Méjico e Israel.

Ha sido director de la Capella de Música de Santa María del Mar de Barcelona, en la que había cantado anteriormente bajo la dirección del Maestro Enric Gispert, y del Cor de Noies de l’Orfeó Cátala.

Actualmente realiza la dirección artística, junto con Carlos Mena y Lambert Climent, del Coro Barroco de Andalucia (Sevilla) y del Coro Vozes de Al Ayre Español (Zaragoza).

Como solista ha interpretado obras como las Vísperas de C.Monteverdi, el Magnificat de J.S.Bach, el Requiem de W.A.Mozart, Misa de Gloria de G.Puccini, La Creación de J.Haydn, L’Enfant Prodigue de C.Debussy, la Pasión según San Juan i la Pasión según San Mateo de J.S.Bach, el Mesias de G.F.Händel, la Misa en si m de J.S.Bach, L’Enfant Prodigue de C.Debussy, Il ritorno d’Ulisse de C.Monteverdi.

Ha actuado bajo la dirección de Salvador Brotons, Pierre Cao, Jordi Casas, Juan José Mena, Antoni Ros Marbà, Manel Valdivieso, Andrew Parrot, Jordi Savall, Laszlo Heltay, E.Ericson, Salvador Mas, Ernest Martínez Izquierdo, R.Alessandrini, Attilio Cremonesi, Wieland Kuijken, Jordi Mora, Nicolas McGegan, Paul Dombrecht, Reinhard Goegel, Christophe Coin, Cristopher Hogwood, Andre Marcon y Philippe Pierlot.

Ha grabado para Astrée-Audivis, Alia-Vox, Fonti musicali, Sony-classical, Deutsche Harmonia Mundi, Accord, Discant, Cantus.

Nacida en Buenos Aires, Adriana Fernández se consagra al canto desde su niñez, como solista del coro de niños del Teatro Colón, presentándose con la Orquesta Filármonica y Estable de Buenos Aires. Terminados sus estudios obteniendo su diploma de profesor de canto en el Conservatorio Nacional de Música de Buenos Aires, se perfecciona con Ernst Haefliger, Aldo Baldin, Philippe Huttenlocher, Heather Harper y con Helmuth Rilling en el marco de la Academia Internacional Bach en Buenos Aires. Continúa su formación en Suiza con el tenor Eric Tappy, obteniendo un Primer Premio de Virtuosismo del Conservatorio de Ginebra (1991). Forma parte de la primera Academia de Verbier en 1994, donde trabaja el lied, la melodie y la ópera con Barbara Hendricks, Nicolai Gedda y Roger Vignoles. De 1990 hasta 2005 fue miembro del Ensemble Elyma  dirigido por Gabriel Garrido especializándose en el repertorio italiano del siglo XVII.

Colabora frecuentemente con los conjuntos Hespèrion XXI, Le Concert des Nations, y la Capella Reial de Catalunya (Jordi Savall), y con los conjuntos Le Parlement de Musique (Martin Gester), Ensemble 415 (Chiara Banchini), Les Sacqueboutiers de Toulouse (Jean Pierre Canihac), L’Arpeggiata (Christina Pluhar), Al ayre español (Eduardo López Banzo), The Rare Fruits Council (Manfredo Kraemer)

Adriana Fernandez, ha cantado en los más renombrados festivales europeos y ha colaborado con las grandes orquestas como la Suiza Francesa, las de Cámara de Ginebra, Israel y Lausanne, orquesta de Aubergne, orquesta filarmónica de Buenos Aires, orquesta sinfónica de Buenos Aires; en salas como la Konzerthaus de Viena, Conzertgebouw (Amsterdam), Victoria Hall (Ginebra), Auditori y Palau de la Música de Barcelona, Teatro Colón y Suntory Hall. Adriana Fernández ha cantado bajo la dirección de Jordi Savall, Kurt Masur, Armin Jordan, Peter Maag, John Nelson y Michel Corboz y ha grabado para los casas K617, AliaVox, Symphonia, sig-zag Territoires, Pavane Records. Sus discos han recibido elogiosas críticas y varios premios: Diapason d’Or, 10 du Répertoire, Choc de la Musique, Prix de l’Academia Cini ,Grand Prix du Disque, Timbre de Platine de la Revue Opéra International, Prix de l’Académie Charles Cros.

Es profesora titular de la clase de canto barroco del D.I.A. del Conservatorio de Ginebra.

Los componentes del Ensamble Tembembe Enrique Barona, Ely Cruz y Leopoldo Novoa estudiaron en la Escuela Nacional de Música de la UNAM en Méjico, y en instituciones musicales de Méjico, Colombia, Estados Unidos y Francia. Actualmente son catedráticos de la UNAM, el Centro Morelense de las Artes i el Centro Ollin Yoliztli.

Tembembe  Ensamble Continuo es una  agrupación que se propone investigar, recrear y difundir la intrínseca relación que tiene la música del periodo Barroco con nuestra música tradicional Mexicana y Latinoamericana, rompiendo la barrera  histórica  e imaginaria que se les ha interpuesto, ofreciendo nuevas posibilidades de disfrute, comprensión, interpretación y desarrollo de esta música en la actualidad.

La propuesta del Ensamble consiste en reunir la música de la guitarra barroca hispana con el Son mexicano y Latinoamericano de hoy. El grupo explora las similitudes entre los instrumentos y las prácticas propios de cada una de estas manifestaciones musicales recreándolas en el escenario en un espectáculo de música, canto y baile que revive el espíritu festivo del fandango novohispano del siglo XVIII y del fandango tradicional actual.

Tembembe gusta de trabajar con invitados, músicos tradicionales de distintas regiones de México. Nos acompañan Ada Coronel quien estudió danza tradicional, es fundadora de Yolotecuhaní, grupo de la tradición del fandango de Tixtla Guerrero, Ulises Martínez principalmente violinista, pertenece a una familia de destacados músicos de la tradición Purépecha de Michoacán, Patricio Hidalgo jaranero, versador improvisador y compositor de la tradición del Son Jarocho de Veracruz, Donají Esparza maestra bailadora del Son Jarocho y estudiosa de la danza popular.

TEMBEMBE es el nombre de un río que baja por entre cañadas, cerca de donde ensayamos, formado por pequeños afluentes, así nuestra cultura… así nuestro trabajo.

Siguiendo el modelo de las famosas Capillas Reales medievales para las cuales se crearon las grandes obras maestras de las músicas sacra y profana en la península ibérica, Montserrat Figueras y Jordi Savall fundaron en 1987 La Capella Reial, uno de los primeros grupos vocales dedicados a la interpretación de las músicas de los Siglos de Oro con criterios históricos y constituidos únicamente por voces hispánicas y latinas. A partir de 1990, recibió el patrocinio regular de la Generalitat de Cataluña y desde ese momento pasó a denominarse La Capella Reial de Catalunya.

El nuevo conjunto se dedicó a la recuperación e interpretación del patrimonio polifónico-vocal medieval y de los Siglos de Oro hispánico y europeo anterior al siglo XIX con criterios históricos. En la misma línea artística que Hespèrion XXI y siempre desde un gran respeto a la profunda dimensión espiritual y artística de cada obra, La Capella Reial de Catalunya, combina magistralmente tanto la calidad y adecuación al estilo de la época como la declamación y proyección expresiva del texto poético.

Su extenso repertorio abarca desde la música medieval de las culturas del Mediterráneo hasta los grandes maestros del Renacimiento y el Barroco. Ha destacado en algunos repertorios operísticos del Barroco y el clasicismo, así como en composiciones contemporáneas de Arvo Pärt. Cabe destacar su participación en la banda sonora de la película Jeanne La Pucelle (1993) de Jacques Rivette sobre la vida de Juana de Arco.

En 1992, La Capella Reial de Catalunya debutó en el género operístico acompañando como coro todas las representaciones de Le Concert des Nations. Su discografía, publicada en más de 40 compactos, ha recibido diversos premios y distinciones. Bajo la dirección de Jordi Savall, La Capella Reial de Catalunya desarrolla una intensa actividad de conciertos y grabaciones por todo el mundo y, desde su fundación, actúa regularmente en los principales festivales internacionales de música antigua.

En 1974, Jordi Savall y Montserrat Figueras, junto con Lorenzo Alpert y Hopkinson Smith fundaron en Basilea el grupo Hespèrion XX, un conjunto de música antigua que pretendía recuperar y difundir el rico y fascinante repertorio musical anterior al siglo XIX a partir de nuevas premisas: los criterios históricos y los instrumentos originales. Su nombre, Hespèrion, significa «originario de Hesperia», que en griego antiguo era la denominación de las dos penínsulas más occidentales de Europa: la ibérica y la italiana. También era el nombre que recibía el planeta Venus cuando aparecía por Occidente. Hespèrion XX, a partir del año 2000, cambia la denominación a Hespèrion XXI.

Hespèrion XXI es hoy día una referencia ineludible para comprender la evolución de la música en el periodo comprendido entre la Edad Media y el Barroco. Su labor de recuperación de obras, partituras, instrumentos y documentos inéditos tiene un doble valor incalculable: por un lado el riguroso trabajo de investigación aporta nuevos datos e interpretaciones sobre los conocimientos históricos de una época, y por otro, la exquisita calidad de las interpretaciones pone al alcance del público la posibilidad de disfrutar con naturalidad de la delicadeza estética y espiritual propia de las obras de aquel tiempo.

Desde el principio, Hespèrion XXI tomó un rumbo artístico claro e innovador que acabaría creando escuela en el panorama mundial de la música antigua, ya que concebía y concibe la música antigua como instrumento de experimentación musical, y con ella busca la máxima belleza y la expresividad en las interpretaciones. Todo intérprete de música antigua tiene un compromiso con el espíritu original de cada obra y tiene que aprender a conectar con ella a través del estudio del autor, de los instrumentos de la época, de la obra en sí y de sus circunstancias concretas. Pero como artesano de la música, también está obligado a tomar decisiones sobre lo que está interpretando: de su talento, de su creatividad y de su capacidad de transmitir emociones depende su capacidad para conectar el pasado con el presente, la cultura con su divulgación.

El repertorio de Hespèrion XXI incluye entre otras, obras del repertorio sefardita, romances castellanos, piezas del Siglo de Oro español y de la Europa de las Naciones. Algunos de sus programas de conciertos más celebrados han sido las Cantigas de Santa María de Alfonso X el Sabio, La Diáspora Sefardí, las músicas de Jerusalén, de Estambul, de Armenia o las Folías Criollas. Gracias al destacadísimo trabajo de los numerosos músicos y colaboradores que han participado con el conjunto durante todos estos años, Hespèrion XXI tiene todavía un papel clave en la recuperación y la revaloración del patrimonio musical con una gran repercusión a nivel mundial. Con más de 60 CDs publicados, a día de hoy la formación ofrece conciertos por todo el planeta y es miembro habitual de los grandes festivales internacionales de Música Antigua.

Jordi Savall es una de las personalidades musicales más polivalentes de su generación. Da a conocer al mundo desde hace más de cincuenta años maravillas musicales abandonadas en la oscuridad de la indiferencia y el olvido. Dedicado a la investigación de esas músicas antiguas, las lee y las interpreta con su viola de gamba, o como director. Sus actividades como concertista, pedagogo, investigador y creador de nuevos proyectos, tanto musicales como culturales, lo sitúan entre los principales artífices del fenómeno de revalorización de la música histórica. Es fundador, junto con Montserrat Figueras, de los grupos musicales Hespèrion XXI (1974), La Capella Reial de Catalunya (1987) y Le Concert des Nations (1989), con los cuales explora y crea un universo de emociones y belleza que proyecta al mundo y a millones de amantes de la música.

A lo largo de su carrera ha grabado y editado más de 230 discos de repertorios de música medieval, renacentista, barroca y del clasicismo con especial atención al patrimonio musical hispánico y mediterráneo; una producción merecedora de múltiples distinciones, como los premios Midem, International Classical Music y Grammy. Sus programas de concierto han convertido la música en un instrumento de mediación para el entendimiento y la paz entre pueblos y culturas diferentes y a veces enfrentados. No en vano fue nombrado en el 2008 fue nombrado «Embajador de la Unión Europea para el diálogo intercultural», y junto con Montserrat Figueras fueron designados los dos «Artistas por la Paz» dentro del programa «Embajadores de buena voluntad» de la UNESCO.

Su fecunda carrera musical ha recibido las más altas distinciones nacionales e internacionales; entre ellas, el título de doctor honoris causa por las universidades de Évora (Portugal), Barcelona (Cataluña), Lovaina (Bélgica) y Basilea (Suiza), la insignia de Caballero de la Legión de Honor de la República Francesa, el Premio Internacional de Música por la Paz del Ministerio de Cultura y Ciencia de Baja Sajonia, la Medalla de Oro de la Generalitat de Cataluña y el prestigioso premio Leoni Sonning, considerado el premio Nobel de la música. «Jordi Savall pone de manifiesto una herencia cultural común infinitamente diversa. Es un hombre para nuestro tiempo» (The Guardian, 2011).